Los Comienzos del Postmodernismo

Como ocurrió en 1918 con la finalización de la Primera Guerra Mundial en 1940 se repitió la historia ya que fue la Segunda Gran Guerra, de mayor magnitud y de mayor destrucción, la que formo el arte pero principalmente el diseño industrial que se vería a lo largo del mundo durante los próximos años. La Segunda Guerra Mundial fue clave para el aumento en el intercambio comercial de productos industriales de todo tipo, muebles, lámparas, vehículos comerciales e incluso de guerra, en todo el mundo, principalmente entre Estados Unidos de América y Europa.

Desde décadas anteriores la industrialización había generado varios problemas en las ciudades, que los individuos o las organizaciones pequeñas no podían controlar fue por esto que el gobierno comenzó a intervenir cada vez más en el ámbito industrial, con el objetivo de mitigar los excesos de producción, reducir las enfermedades y controlar la sobrepoblación, basados en estas razones tomó medidas desde la creación de organizaciones reguladoras y legisladoras que normalmente limitaban la actividad del diseñador industrial, aunque el gobierno también se involucró en muchos proyectos los cuales subsidiaba porque al ser completados daban al país y obviamente a si mismo un mayor prestigio mundial en cuestiones tecnológicas industriales.

Las Exposiciones Universales cambiaron su enfoque, pasaron a ser un evento de gran rivalidad nacionalista, en el cual los países participantes buscaban aumentar la capacidad de intercambio comercial y el prestigio nacional.

Otro tipo de competencia también servían para que lo países compitieran entre ellos, mostrando su capacidad industrial y el progreso tecnológico, un ejemplo de esto fue “The Schneider Trohpy” una competencia internacional de aviones de velocidad, los cuales después servirían como inspiración para los aviones utilizados durante la guerra. Lo mismo pasó con la industria automotriz, que evolucionó al diseño y producción de autos y tanques blindados con objetivos bélicos.

Con el final de la Segunda Guerra Mundial se continuó siguiendo con este modelo industrial buscando una pronta recuperación económica de los países afectados por la guerra, los gobiernos siguieron fuertemente involucrados en los avances tecnológicos de la industria y en las posibilidades que estos brindaban, lo cual llevó a una evolución que marcaría en comienzo de la exploración espacial y una gran rivalidad entre los dos países más desarrollados en este ámbito EUA y la URSS.

Durante este periodo es innegable la importancia que tuvieron Charles y Ray Eames en el diseño industrial, la arquitectura, el diseño gráfico e incluso incursionando en el cine, continuando con la idea del artista global. Y convirtiéndose en los diseñadores industriales más influyentes del siglo XX, por su uso de nuevos materiales y tecnologías que fueron claves para el desarrollo profesional del diseñador industrial.

En cuanto el arte este mantuvo el mismo paso que se había venido manifestando durante la primera mitad del siglo XX, en el cual se dejaron atrás las tendencias clásicas y sus limitaciones, por lo cual las vanguardias continuaron dominando el paisaje artístico en el mundo, la fama de los grandes artistas vanguardistas continuó creciendo desde el cubismo de Pablo Picasso hasta el surrealismo de Salvador Dalí y Rene Magritte; Marcel Duchamp continuó con sus readymades.

Pero el arte reflejó, en muchas ocasiones, la turbulencia de la época, y la preocupación por la guerra provocó un cambio clave en el centro cultural y artístico del mundo, que como había mencionado en entradas anteriores se encontraba en París, durante el periodo de entre guerras, y muchos de los principales artistas, sino es que todos, tenían estudios ahí o encontraban su inspiración en la ciudad de las luces, pero ante la inminente guerra que estaba por explotar en el continente europeo se vieron obligados a dejar París, por su propia seguridad, tanto por el riesgo de morir como el de ser perseguidos por el partido nazi, quien los tenía como personas non gratas por sus ideales o creencias.

Estos artistas que dejaron el continente europeo encontraron en Estados Unidos de América un país que les daba libertad y seguridad, así como un terreno fértil para sus ideas artísticas, las dos ciudades de este país que serían clave para el desarrollo artístico serían Chicago y Nueva York. En la primera se fundaría la Nueva Bauhaus, que continuaría con las ideas que alguna vez comenzaron en Alemania, las cuales fueron llevadas a esa ciudad por Ludwig Mies van der Rohe y Laszlo Moholy-Nagy. Mientras que en Nueva York llegarían las ideas de las vanguardias, principalmente el cubismo y el surrealismo.

Esta mezcla de ideas y estilos artísticos, contacto directo y constante entre artistas norteamericanos y europeos daría paso a nuevo movimiento en EUA, conocido como expresionismo abstracto, el cual llevó a los artistas por un camino nuevo y muy atrevido, este movimiento se negaba a la captura de una simple figura, centrándose en la importancia del color y la forma abstracta. Entre sus principales exponentes se encuentran Jackson Pollock, con su estilo atrevido, abstracto y anárquico, tomándose muchas libertades dejo atrás el uso del caballete prefiriendo pintar con el lienzo en el piso sobre el cual vertía pintura la cual manipulaba de diferente maneras en búsqueda de efectos dramáticos y carentes de límites y Mark Rothko cuyo estilo distintivo mediante la pintura de grandes rectángulos en contacto con otros que parecen unirse entre sí, Rothko utilizó el color como un transmisor de sentimientos y emociones como una continuación de las ideas de Johannes Itten en la Bauhaus durante la década de los 20’s.

Como arquitecto y como mexicano no puedo evitar mencionar lo que pasaba en el país durante este periodo, ya que es durante estas décadas que aparece el gran maestro de la arquitectura moderna mexicana, Luis Barragán, que si bien ya había realizado obras, sus verdaderas piezas maestras llegarían en la década de los 40’s y los 50’s. Mostrando las ideas del modernismo que se daba en todo el mundo, pero Barragán lo llevo un paso más allá, combinando estas ideas modernistas con ideas vernáculas del país logrando verdaderas obras maestras donde se combina de manera excepcional el espacio, con el color, la naturaleza y la luz, logrando un arquitectura variada repleta de sensaciones y emociones.

Esta entrada abarcará un par de décadas de gran interés, particularmente para el diseño industrial y la arquitectura, la aparición, desarrollo y crecimiento de popularidad de las vanguardias también definió este periodo, aquel que comprende desde 1920 hasta 1940, veinte años que sin duda marcaron el mundo y cambiaron muchas ideas sobre arte y diseño en todo el mundo.

Pero antes de comenzar a hablar sobre lo que paso en estas décadas, debemos remontarnos un año antes, a 1919, un año sumamente importante para la historia del diseño, ya que fue en este año cuando Walter Gropius fundó la Bauhaus, la escuela de diseño más importante en su tiempo, y que formará las escuelas de diseño posteriores  a ella, e incluso muchas ideas de la Bauhaus siguen presentes en diferentes escuelas en gran número de países.

Walter Gropius al igual que los artistas de la Werkbund estaba preocupado por el camino que el arte y el diseño estaban siguiendo, es por esto que en 1919 fundó la Bauhaus, cuya traducción es “Casa de la Construcción”. Esta escuela fue revolucionaría no solo en su pensamiento sino también en la manera en que ensayaba a sus alumnos, no en el salón de clases, este tenía una función secundaría a donde realmente se aprendía, el taller. El taller fue el área más importante de la Bauhaus porque era ahí donde estas nuevas ideas de vanguardia eran llevadas a cabo; con la intención final de lograr la unificación de las artes: pintura, escultura, diseño y arquitectura de manera coherente para lograr una relación de la vida cotidiana con la estética artística en los objetos de uso cotidiano. La manera en que se enseñaba fue igualmente revolucionaría, por primera vez el método educativo tenía una énfasis en el estudiante: sus emociones, inquietudes e intelecto, todo esto formó el diseño de la escuela dentro de un contexto artístico.

1. Marianne Brandt
Infusor de té, 1924

Por la Bauhaus dieron clases grandes maestros como: Paul Klee, Vassili Kandinsky, Johannes Itten, Oscar Schlemer, Laszlo Moholy-Nagy, Marcel Breur, Ludwig Mies van der Rohe, entre otros, todos ellos con su particular estilo buscaban explotar la creatividad de los estudiantes y la suya misma en un proceso de diseño relacionado con el arte que formarían el rostro del siglo XX en Europa y el mundo, hasta su clausura en 1933 por el partido nazi y su miedo a la ideas de la Bauhaus.

2. Vassili Kandinsky
"En Blanco, II", 1923

3. Paul Klee
"Senecio", 1922

Mientras esto pasaba en Europa, del otro lado del Atlántico, en Estados Unidos de América la Primera Guerra Mundial marcaba el comienzo de la producción en masa como respuesta al boom consumista en el país. Posteriormente la Gran Depresión de 1929 provocó que cientos de pequeñas firmas de diseño cerraran, sobreviviendo solo las grandes corporaciones provocando un aumento en la competencia. En este nuevo ámbito muchas veces la imagen visual del producto era más relevante que el producto mismo, por eso mismo muchos de los grandes diseñadores de la época provenían del diseño gráfico, de vitrinas y de escenario lo cual pudieron trasladar al mundo del diseño industrial, y gracias a la estandarización y racionalización fue producir todos estos innovadores productos de manera barata, y en menor tiempo.

En este periodo aparecen en EUA importantes diseñadores industriales como Raymond Loewy, Henry Dreyfuss, Norman Bel Geddes, entre otros, con sus ideas sentaron las bases del diseño industrial a lo que conocemos ahora, con las primeras ideas y textos de ergonomía, de Dreyfuss que se volvieron claves para la profesión, las ideas de simplificación visual en aumentó de la estética y el rendimiento en el producto de Loewy, o las ideas revolucionarias y adelantas a sus época de Geddes.

4. Walter Teague
"Bantam Special Kodak", 1935

5. Henry Dreyfuss
"Modelo 300, Bell Companies", 1937

6. Raymond Loewy
"Refrigerador Sears", 1925

Durante la década de 1920 las ideas arquitectónicas cambiaron de la misma manera que en el arte y el diseño, se buscó dejar atrás las ideas arquitectónicas del siglo XIX, inspirada en épocas pasadas, dando un aspecto ecléctico a las construcciones, recargadas de estilos carente de relación y coherencia con la forma y función del edificio. Esto combinado con los nuevos materiales y las nuevas tecnologías permitieron grandes avances en la arquitectura, así como la aparición de construcciones nuevas como los bloques de oficinas, las torres de departamentos o las naves industriales, dando paso a la modernidad y al estilo que la definió conocido como “Estilo Internacional” de ideas racionalistas y funcionalistas, de simpleza geométrica y aspecto de ligereza.

Estas nuevas ideas fueron presentadas por arquitectos que aun hoy se mencionan cuando se habla de los más grandes exponentes de la arquitectura, como Le Corbusier, Mies van der Rohe, Alvar Aalto. Menciono a estos tres porque siguieron con la idea de Peter Behrens y de la Bauhaus de ser profesionales capaces de crear “una obra de arte total” con la unificación de las artes ser capaces de diseñar todo un edificio hasta el mobiliario que sería utilizado en el mismo, como lámparas y sillas.

7.  Le Corbusier
Fauteuil Wagor Furnoir, 1931

8. Ludwig Mies van der Rohe
Silla Barcelona, 1928

Quiero hacer énfasis en Aalto uno de mis arquitectos favoritos, probablemente el mayor exponente de esta idea del artista total, creó edificios y mobiliario específico para cada proyecto siempre centrado en el usuario, y que si bien perteneció a los comienzos del modernismo funcional y racional, sus inspiraciones provenían de otras fuentes como la naturaleza y sus elementos en su natal Finlandia apreciables en sus diseños arquitectónicos y de diseño industrial que aun hoy en día siguen siendo producidos por la compañía que el mismo fundara en 1935 Artek.

9. Alvar Aalto
"Silla Paimio", 1928

10. Alvar Aalto
"Jarrón Savoy", 1937

Tras el comienzo de la tensión por la posibilidad de una nueva gran guerra mucho de estos personajes clave en la historia del diseño tuvieron que dejar sus natales países y buscan asilo en distintos lugares el mundo, lo cual permitió que sus ideas llegaran a diferentes rincones, lo cual dio al mundo del diseño y la arquitectura un boom nunca antes visto lo cual resultó en la formación del mundo en el que vivimos actualmente que para bien o para mal comenzó su formación y expansión en este periodo.

En arte es imposible no hablar de la importancia que tuvo París, particularmente los cafés y bares de Montmartre como el centro cultural del mundo no solo en pintura y escultura, sino también en el teatro y la literatura. París durante este periodo fue clave, por la ciudad pasaron grandes maestros de la literatura como Ernest Hemingway, Scott Fitzgerald o de la pintura como Picasso, Matisse o Dalí, todos ellos encontraron en esta ciudad una inspiración especial que formó el arte de este periodo.

11. Rene Magritte
"Los Amantes", 1928

12. Salvador Dalí
"La Persistencia de la Memoria", 1931

13. Pablo Picasso
"Guernica", 1937

Referencias.

1. Marianna Brandt. Infusor de té. 1924. Recuperado de http://blog.visual.ly/wp-content/uploads/2013/08/17.-Brandt_Tea-Infuser-and-Strainer_MMA-618x486.jpg

2. Vassili Kandinsky. "En Blanco: II". 1923. Recuperado de http://www.wassily-kandinsky.org/images/gallery/On-White-II.jpg

3. Paul Klee. "Senecio", 1922. Recuperado de http://totallyhistory.com/wp-content/uploads/2012/12/senecio-1922-paul-klee.jpg

4. Walter Teague. "Bantam Special Kodak". Recuperado de http://classconnection.s3.amazonaws.com/284/flashcards/404284/png/camera1321482629203.png

5. Henry Dreyfuss. Modelo 300. Recuperado de http://news.yale.edu/sites/default/files/YUAGModel302.jpg

6. Raymond Loewy. Refrigerador Sears. Recuperado de https://classconnection.s3.amazonaws.com/580/flashcards/930580/png/31untitled1323195916636.png

7. Le Corbusier. Fauteuil Wagor. Recuperado de http://www.fondationlecorbusier.fr/corbuweb/morpheus.aspx?sysName=home&sysLanguage=fr-fr&sysInfos=1

8. Ludwig Mies van der Rohe. Silla Barcelona. Recuperado de https://www.superestudio.com/imagenes/productos/MF001PU/MF001PU3.jpg

9. Alvar Aalto. Sila Paimio. Recuperado de https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&ved=0ahUKEwjM_r_V1LLLAhVCkYMKHZv7C-YQjBwIBA&url=http%3A%2F%2Fstatic3.absolutmadrid.com%2Fwp-content%2Fuploads%2F2009%2F09%2FAalto.JPG&bvm=bv.116573086,d.amc&psig=AFQjCNEH3zIm876v97OZpAjUXUjpoxqA9w&ust=1457580505766957

10. Alvar Aalto. Jarrón Savoy. Recuperado de https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEik99MBs5Qwe_F7N7KvP3zu3lXRwrRwqYDIXPKaboWWXwFpAD3YjsW2hAW2mFNvgpzWkPUVMQhyphenhyphenU998y47clyoupSrHlO9XtLJwJzh1-GGdCqkZ4cRtAiBAjZXEzrc6aDUgCd3DqzfWqMTt/s400/AA000444.jpg

11. Rene Magritte. "Los Amantes". Recuperado de https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjx4-TI3mOwbxj_MeO0cbRSJDT-9XF_BhyphenhyphenmtbzN28tpPJX5QYwZKVp2182jOd59t4EUeDMYtz064nPglMqMb5QGcPc4Detga5lLUNREmxbk2TMdeVYjzrImY0ArPPA7F8D7vmozXqoamoBm/s1600/les+amants+magritte.jpeg

12. Salvador Dalí. "La Persistencia de la Memoria" http://arte.laguia2000.com/wp-content/uploads/2012/11/la-persistencia-de-la-memoria-dali2.jpg

13. Pablo Picasso. "La Guernica". Recuperado de http://www.museoreinasofia.es/sites/default/files/obras/DE00050.jpg

A partir del siglo XX es difícil entender el arte, y el diseño simplemente por estilos, porque durante el mismo tiempo aparecieron diferentes, lo cual lleno de riqueza y variedad al arte, en respuesta a los diferentes contextos sociales, pero también hace que el estudio del arte y diseño se vuelva más complicado, por lo cual a partir de ahora realizaré el análisis en base a décadas y los estilos artísticos comprendidos dentro de las mismas.

En esta entrada hablaré sobre el arte, y diseño que tuvo lugar en las primeras décadas del siglo XX de 1900 a 1920. Para el comienzo de este siglo nuevamente son los avances tecnológicos que definen a la sociedad y el arte que la representa. Otro aspecto clave para entender las producciones de la época es el sentimiento de paz, tranquilidad y hasta cierto punto, estabilidad social por la ausencia de conflictos bélicos desde 1871 con el final de la guerra franco-prusiana y hasta 1914 con el comienzo de la Primera Guerra Mundial, este periodo de casi cincuenta años fue conocido como la belle epoque, donde aparecieron diversos movimientos artísticos como el cubismo, futurismo, fauvismo y el expresionismo. Todos estos y muchos más fueron conocidos como las vanguardias y revolucionaron el arte tanto en su estética como en su entendimiento.

Haré una descripción breve de las vanguardias más importantes, sus inspiraciones y lo que buscaban representar.

Cubismo: Sentó las bases de las vanguardias dejando atrás los métodos clásicos de pintura, se caracteriza por sus representaciones de algún elemento desde varios puntos de vista al mismo tiempo, sus principales representantes fueron: Pablo Picasso y Georges Braque.

1. Pablo Picasso
"Las Señoritas de Avignon", 1907
MoMa Museum, Nueva York

Futurismo. Surgió en Italia en la década de 1910, su principal inspiración el movimiento y la velocidad, lo cual se manifiesta en las obras, mediante la multiplicación y distorsión de los elementos en el espacio.

2. Umberto Boccioni
"Dinamismo de un Ciclista", 1913
Museo Guggenheim, Venecia

Fauvismo. Movimiento pictórico surgido en Francia, caracterizado por un empleo provocativo del color. Uno de sus precursores más distinguidos fue Henry Matisse.

3. Henri Matisse
"Lujo, Calma y Voluptuosidad", 1904
Museo de Orsay, Francia

Expresionismo. Este movimiento se caracteriza por el desequilibrio entre los colores y las formas, busca más mostrar lo sentimientos y sensaciones del artista mediante expresiones que no reflejaban el mundo de manera real.

4. Ernst Ludwig Kirchner
"Autorretrato como soldado"
Museo de Arte Allen, Ohio, EUA.

De 1914 hasta 1918 el mundo y principalmente Europa pasó por la Primera Guerra Mundial, y con el final de la misma los conceptos de arte y diseño y las funciones de los mismos para la sociedad cambiaron, tras la destrucción apreciable en las ciudades europeas fue necesario buscar productos que fueran más compatibles con los nuevos procesos industriales, tanto en pintura, escultura, arquitectura y diseño se buscó la simplificación de las formas y colores.

Como respuesta a la Primera Guerra Mundial aparecieron nuevas vanguardias como el dadaísmo, el surrealismo. Pero principalmente se comenzaron a sentar las bases de la escuela que formaría el arte y el diseño durante el siglo XX e incluso de gran influencia en la actualidad la Bauhaus.

5. Marcel Duchamp
"La Fuente", 1917
Diferentes copias en diferentes museos

Pero para poder comprender el impacto de la Bauhaus primero debemos entender los hombres que la inspiraron entre los que destaca Peter Behrens, un alemán que se dedicó al diseño en todas sus facetas, arquitectura, diseño industrial, diseño gráfico. Behrens principalmente se encargó del diseño para la empresa alemana AEG (Allgemeine Elektricitäts-Gesellschaft), para la cual diseño desde su logo hasta naves industriales para la producción, fue Behrens el que comenzó con esta idea del diseñador de una “obra de arte total”.

6. Peter Behrens
Tetera, 1909

7. Peter Behrens
Ventilador para AEG, 1908

8. Peter Behrens
Cartel para AEG, 1907

El diseño industrial comenzó su desarrollo gracias a la utilización de nuevos materiales, como el cristal, el acero y el hierro, que combinados con otros ya conocidos como la madera, permitieron la creación de nuevos diseño más simples, sencillos y fáciles de producir a gran escala en fábricas para que estos diseños llegaran a miles de hogares a lo largo del mundo, creando el concepto de diseño industrial como lo conocemos ahora.

9. Rene Mackintosh
"Silla Hill House", 1903

10. Michael Thonet
"Silla No. 14", 1859.
Con la revolución industrial este diseño
creció en popularidad y producción

Otro aspecto importante fue el concepto de nacionalismo más claramente apreciado en como el mismo estilo con características similares recibió diferentes nombres en diferentes países fue el Art Nouveau en Francia, el Jugendstil en Alemania, el Modern Style en Inglaterra, el Modernismo en España y el Sezessionsstil en Austria. Estos nuevos sentimientos artísticos se vieron reflejados en los objetos de uso cotidiano.

Otro movimiento clave surgió en Holanda y fue conocido como De Stijl que comenzó en 1917 con varios representantes, entro los que destacan J.P.P. Oud, Gerrit Rietveld y Piet Mondrian, que con sus pinturas se constituyó la filosofía y las formas visuales del movimiento, con el objetivo de integración artística.

11. Piet Mondrian
"Composición C", !920

12. Gerrit Rietveld
"Silla Rojo y Azul", 1917

Mientras todos estos movimientos tenían lugar en los países europeos, en Estados Unidos se sentían los efectos de la industrialización similar, pero menos enfocado a la estética del diseño y más a la producción en masa, con la producción en serie, caracterizada por la producción del modelo T de Henry Ford.

13. Henry Ford
"Modelo T", 1908

En 1907 se formó un grupo de artistas-artesanos, que buscaban mejorar su situación profesional, profesional mediante la unificación del arte, la artesanía y la industria. Sus principales ideas fueron la estandarización industrial y la individualidad artística. Los principales representantes fueron Peter Behrens, Theodor Fischer, Herman Muthesius, Bruno Paul, Henry van de Velde, esta organización fue llamada Wekbund que después daría paso a la Bauhaus.

14. Bruno Paul
Silla de 1901

15, Henry van de Velde
Silla para Villa Esche, 1903

Es evidente que todos estos movimientos artísticos y sociales en combinación con la revolución industrial dieron pasó a un nuevo entendimiento en el mundo del arte y el diseño, la simplificación tanto en el arte como en el diseño y sus procesos de producción fueron claves para formar el rostro que tendría el siglo XX y los objetos que se podrían encontrar en cualquier parte, todo esto es apreciado incluso en la actualidad.

Referencias

1. Pablo Picasso. "Señoritas de Avignon". MoMa Museum. Recuperado de http://stc.obolog.net/multimedia/fotos/38000/37328/37328-35064.jpg

2. Umberto Bocciono. "Dinamismo de un Ciclista. Guggenheim Venecia. Recuperado de http://www.artinthepicture.com/artists/Umberto_Boccioni/cyclist.jpeg

3. Henri Matisse. "Lujo, calma y voluptuosidad". Museo de Orsay. Recuperado de http://41.media.tumblr.com/047944ed1aa2a16c40a61a75ea81031c/tumblr_na9b1kWx3Z1qfcut3o1_1280.jpg

4. Ernst Ludwig Kirchner. "Autorretrato como soldado". Museo de Arte Alle. Recuperado de http://guildford-institute.org.uk/wp-content/uploads/2015/05/German-War-Artists-Tammy-Ellis.jpg?2f1508

5. Marcel Duchamp. "La Fuente". Recuperado de https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCeWJ7JXPiUva6Gwk3BUvSql3Kyiakne8zBYG0J4v8jL0fMt4OqerT3oNj1o00cqD_M_YduhjExVCGHs6nt16GCXcgnjZYfAHZFfPxtAW-z_P1vwdlc0WBWcTqgcpC-qzWWZ7FDJ0Yg4Y/s1600/duchamp-1917x.jpg

6. Peter Behrens. Tetera. Recuperado de http://www.golpevisual.com/wp-content/trabajos/peter-behrens/thumbs/thumbs_peter_behrens_03.jpg

7. Peter Behrens. Ventilador para AEG. Recuperado de https://s-media-cache-ak0.pinimg.com/236x/0c/cf/a3/0ccfa30382aa12eef44599dc93dd9614.jpg

8. Peter Behrens. Cartel para AEG. Recuperado de https://classconnection.s3.amazonaws.com/699/flashcards/23699/jpg/12-461318865300599.jpg

9. Rene Mackintosh. "Silla Hill House". Recuperado de http://www.naharro.com/components/com_virtuemart/shop_image/product/Silla_Hill_House_50bf27d26498c.jpg

10. Michael Thonet. "Silla No. 14". Recuperado de http://mujercountry.biz/wp-content/uploads/2013/03/thonet-2.jpg

11. Piet Mondrian. "Composición C". Recuperado de http://www.piet-mondrian.org/images/paintings/composition-c.jpg

12. Gerrit Rietveld. "Silla Rojo y Azul". Recuperado de https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjC0q5HKIjc8sCg4qAjZP06cMA2fMcHruC7MYjLPoHzI_R3chz9-6ncpNlIOvERPJPk42n0WDuhBBmLEleqanm83h9lzwNVEL-Diq-hdW1erZGarU5Kp3nt3k9exSoEYpZVsQFJ4fh08w0/s1600/resized_image2_b34c0d2bbd0cf672845e88db38854efe.jpg

13. Henry Ford. "Modelo T". Recuperado de http://www.fierrosclasicos.com/wp-content/uploads/2014/10/08-e1412181707553.jpg

14. Bruno Paul. Silla. Recuperado de https://classconnection.s3.amazonaws.com/319/flashcards/2705319/jpg/brunopaularmchair19011360721490416.jpg

15. Henry van de Velde. Silla Villa Esche. Recuperado de http://chairblog.eu/wp-content/uploads/2011/03/Villa-Esche-Armchair-by-Henry-Van-de-Velde.jpg

Romanticismo, Realismo, Impresionismo y Postimpresionismo

En esta entrada hablaré de tres movimientos que revolucionaron la perspectiva del arte, no solo en su concepción, sino en sus inspiraciones, representaciones y técnicas, fueron movimientos que tuvieron lugar en Europa a finales del siglo XVIII, el siglo XIX y principios del XX, estos movimientos fueron el Romanticismo, el Realismo, el Impresionismo y el Postimpresionismo, y si en otras épocas se hablaba de Italia como la cuna de los movimientos artísticos, estas nuevas corrientes tuvieron muchas veces en Francia sus comienzos y sus mayores expositores, y de ahí se extendieron a lo largo y ancho de Europa.

El Romanticismo fue un movimiento artístico global que surge a finales del siglo XVIII en un contexto postrevolucionario, es por esto que el arte toma un aspecto más liberal dejando atrás el racionalismo de la Ilustración y el Neoclasicismo, en búsqueda de un arte con mayor preferencia al sentimentalismo. Al surgir como un arte en respuesta a la monarquía absoluta se convierte en el arte de la gente común, ya no  está enfocado solo a la burguesía, iglesia y eruditos, sino que el arte abarca un espectro total de la población, el arte, al igual que los derechos humanos, es para todos. Otro aspecto social clave durante la época fue la industrialización, la cual exigía un arte mucho más práctico, a lo cual los artistas románticos se oponían rotundamente. Se retoman algunos ideales artísticos del románico y el gótico, más que nada por la libertad económica que representan en contra del neoclásico, y como principales características se encuentran el amor por la naturaleza, el sentimentalismo y el individualismo.

En la arquitectura se retoman ideas medievales, pero con la clave aparición del hierro, fue posible realizar grandes construcciones, a mayor velocidad, surge una arquitectura racionalista y por primera vez se hace una distinción entre lo estético y lo constructivo, separación de arquitecto e ingeniero. La decoración en los edificios es abundante y multicolor mediante el uso de diversos materiales, siempre ligados a la construcción.

1. Charles Garnier
Opera Nacional de París, 1857
Francia

2. Sir Charles Barry
Palacio de Westminster, 1865
Londres, Inglaterra

Es durante esta época donde aparece Antoni Gaudí, que si bien es considerado el mayor representante de otro movimiento arquitectónico, el modernismo catalán, sus inspiraciones surgen en base a los ideales estéticos y conceptuales del romanticismo, con un estilo diferente a cualquiera previo a él, un arquitectura extravagante con inspiraciones tanto barrocas como góticas, con preferencia a las formas onduladas y sinuosas, con mucha ornamentación, principalmente mediante el trencadís, donde se utilizan mosaicos rotos para lograr un sinfín de colores y formas en la decoración. Principalmente se considera a Gaudí como un romántico por el evidente simbolismo en su arquitectura y la clara inspiración de la naturaleza apreciable en todas sus obras.

3. Antoni Gaudí
Sagrada Familia, (en construccion)
Barcelona, España

4. Perspectiva Interior
Sagrada Familia

La escultura busco menos la forma humana idealizada, en su lugar prefirió un nuevo realismo, con gran simbolismo y tendencias naturalistas, generalmente usando el bronce y el hierro, materiales ahora accesibles, gracias a la industrialización. Si bien existieron varios exponentes como Antonio Solá, Jean Baptiste Carpeux, entre otros, hubo uno que destacó particularmente; Auguste Rodin, el máximo exponente del realismo romántico, con un estilo dramático, opuesto al neoclásico, sus obras muestran una gran monumentalidad lírica, siempre experimentando en búsqueda de un mayor simbolismo en su arte, el cual muestra la verdad humana y la constante dualidad entre la vida y la muerte.

5. Auguste Rodin
"El Pensador", 1902
Museo Rodin, París

6. Auguste Rodin
"El Beso", 1889
Museo Rodin, París

La pintura fue quizás el principal arte que representaba las tendencias románticas, generalmente tomando como inspiración temas mitológicos, fantasiosos, además de hechos históricos mostrando las grandes hazañas libertadoras mediante la idealización de un pasado glorioso, evocando el sentimentalismo, siempre mostrando el dramatismo del momento mediante el retrato de las emociones, dolor, miedo, valentía, amor, melancolía y muchos más. Otro aspecto fundamental que es retratado en la pintura romántica es la naturaleza y su majestuosidad, el lugar del hombre frente a ella, ya no como el dominador, sino como un simple espectador de su belleza; entre los principales pintores de la época aparecen, Eugene Delacroix, Theodore Gericault, Francisco de Goya, John Everett Millais, William Turner y Caspar David Friederich.

7. Eugene Delacroix
"La Libertad Guiando al Pueblo", 1830
Museo de Louvre, París

8. Theodore Gericault
"La Balsa de Medusa", 1819
Museo de Louvre, París

9. Caspar David Friederich
"Caminante sobre el Mar de Nubes", 1818
Kunsthalle, Hamburgo

A mediados del siglo XIX, como una continuación y a su vez respuesta al romanticismo, surge el realismo, el cual como su nombre lo indica busca mostrar la realidad humana, la vida en sociedad, mediante la incorporación de experiencias más directas y objetivas, siempre narrando escenas cotidianas de la gente común, del pueblo y sus actividades diarias, hasta cierto punto con una crudeza objetiva, de este movimiento destacan principalmente Gustave Courbet, quién dio el nombre al movimiento, además de Honoré Daumier.

10. Gustave Courbet
"El Encuentro", 1854
Museo Fabre, Montpellier

Pero a finales del siglo existió un grupo de pintores que se oponían a la manera en que se enseñaba en las Escuelas de Bellas Artes, siguiendo aún tanto con las ideas Clásicas como con las del Renacimiento, un cierto ideal de belleza, narrando mitología e historia, el grupo que se opuso a esto fue conocido como los impresionistas, entre los que destacan Claude Monet, Camille Pissarro, Paul Cezanne, Auguste Renoir, Edgar Degas, Mary Cassatt, Berthe Morisot, entre otros, El término impresionista surge tras la exposición de Claude Monet en 1874, donde presenta su obra “Impresión, Amanecer”, la primera pintura impresionista. El impresionismo muestra un nuevo estilo, más libre, atrevido de aspecto abocetado en búsqueda de efectos atmosféricos, de luz y las sensaciones producidas por los paisajes, tanto rurales, como urbanos, además de escenas cotidianas. Los artistas de este movimiento buscaban plasmar un momento específico así como los efectos y emociones que dicho momento generaba en ellos, era un pintura subjetiva tanto para el artista que la creaba como a la libre interpretación de todo aquel que la veía, como Castagnary definió al movimiento en 1874, “No reproducen el paisaje, sino la sensación producida por el paisaje. Si bien es fácil identificar la estética impresionista de trazo veloz y en ocasiones, en palabras de los críticos, “apresurado” e “impreciso”, sería inocente pensar que las grandes obras maestras fueron logradas de esta manera, el impresionismo consigue un aspecto espontaneo, pero solo mediante un cálculo y trabajo meditado y complejo.

11. Claude Monet
"Impresión, Amanecer", 1872
Museo Marmottan Monet, París

Cabe mencionar que el arte impresionista fue duramente criticado durante su época, por salirse del estilo tradicional, muchas veces se negó espacio en las principales exposiciones de arte a este estilo, por lo cual los pintores impresionistas tuvieron que crear una sociedad alternativa, y llevar acabo sus reuniones y exposiciones en cafés de Monmartre en París y en sus estudios, dando paso a una vida artística mucho más bohemia, los impresionistas sentaron las bases para el ideal moderno de belleza y la rebeldía artística.

12. Edgar Degas
"Después del Baño, Mujer Secandose", 1885
National Gallery, Londres

13. Edgar Degas
"Bailarina mirando la planta de su pie", 1890
MET Museum, Nueva York

  

Pero no tardó mucho en aparecer un movimiento en respuesta al Impresionismo, surgió un nuevo grupo de pintores, e incluso algunos de los impresionistas tomaron y pintaron algunos cuadros con los ideales de lo que en 1910 Roger Fry definiría como el Postimpresionismo, tras una exposición de pinturas en Londres de Paul Cezanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh. Este estilo surge como una extensión del impresionismo, pero a su vez deja atrás ciertas limitaciones del mismo, en el postimpresionismo se continuó hasta cierto punto con el estilo anterior, colores vivos, marcadas pinceladas narrando temas de la vida real, pero los pintores postimpresionistas intentaron dar más emoción y expresividad a sus obras, aumentando la subjetividad en la visión del mundo y las sensaciones causadas por el mismo.

14. Paul Cézanne
"Las Grandes Bañistas", 1905
Museo de Arte de Filadelfia

15. Vincent van Gogh
"Noche Estrellada" 1889
MoMa, Nueva York

Ejemplos de Diseño Gráfico y Diseño Industrial

16. Portada de "La Naturaleza del
Gótico" de John Ruskin, siglo XIX

17. Henri de Toulouse-Latrec
Cartel para Molin Rouge, 1891

18. August Thonet
"Silla Thonet", 1904

19. René Macintosh
"Silla Hill House", 1902

20. Henry Ford
"Ford T", 1910

Referencias

Gombrich, E. (2011) “Historia del Arte”. New York: Phaidon.
Smith, P. (2006) "Impresionismo: Bajo la Superficie". Madrid: Akal.

Imágenes

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3. Antoni Gaudí, Sagrada Familia, Barcelona. Recuperado de 

4. Antoni Gaudí, Sagrada Familia, Barcelona. Recuperado de

5. Auguste Rodin. El Pensador, Museo Rodin. Recuperado de

6. Auguste Rodin. El Beso, Museo Rodin, Recuperado de http://www.musee-rodin.fr/sites/musee/files/styles/zoom/public/resourceSpace/784_4c572139de5ec5b.jpg?itok=IdQG2-_t

7. Eugene Delacroix. La Libertad Guiando al Pueblo. Museo de Louvre. Recuperado de 

8. Theodore Gericault. La Balsa de Medusa. Museo de Louvre. Recuperado de http://www.arteselecto.es/app/uploads/2014/05/JEAN_LOUIS_TH%C3%89ODORE_G%C3%89RICAULT_-_La_Balsa_de_la_Medusa_Museo_del_Louvre_1818-19.jpg

9. Caspar David Friederich. Caminante sobre Mar de Nubes. Kunsthalle, Hamburgo. Recuperado de

10. Gustave Courbet. El Encuentro. Museo de Fabree. Recuperado de https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/93/Gustave_Courbet_-_Bonjour_Monsieur_Courbet_-_Mus%C3%A9e_Fabre.jpg

11. Claude Monet. Impresión Amanecer. Museo Marmottan Monet, París. Recuperado de http://art-monet.com/image/1870/1873%20Impression,%20sunrise.jpg

12. Edgar Degas. Después del Baño, Mujer Secandose". National Gallery, Londres. Recuperado de http://www.oceansbridge.com/paintings/artists/d/edgar_degas/big/After_the_Bath,_Woman_Drying_Herself_1890-1895.jpeg

13. Edgar Degas. Bailarina mirando la planta de su Pie". MET Museum, Nueva York. Recuperado de http://www.metmuseum.org/toah/hd/dgsb/hd_dgsb.htm

14. Paul Cézanne. Las Grandes Bañistas. Museo de Arte de Filadelfia. Recuperado de http://www.artelista.com/ypimages/Huge/02/MWM01474.jpg

15. Vincent van Gogh. Noche Estrellada. MoMa, Nueva York. Recuperado de https://marisolroman.files.wordpress.com/2014/09/1280px-van_gogh_-_starry_night_-_google_art_project.jpg

16. S/A. Portada "La Naturaleza del Gótico", John Ruskin. Recuperado de https://classconnection.s3.amazonaws.com/143/flashcards/6287143/png/midterm20-148D79162F13738FD9F.png

17. Henri de Toulouse-Latrec. Cartel para Molin Rouge. Recuperado de https://es.wikipedia.org/wiki/Dise%C3%B1o_gr%C3%A1fico#/media/File:Henri_de_Toulouse-Lautrec_049.jpg

18. August Thonet. Silla Thonet. Recuperado de https://s-media-cache-ak0.pinimg.com/564x/52/1f/c5/521fc59074046554766d133bc02b60db.jpg

19. Rene Macintosh. Silla Hill House. Recuperado de http://www.naharro.com/components/com_virtuemart/shop_image/product/Silla_Hill_House_50bf27d26498c.jpg

20. Henry Ford. Modelo T 1910. Recuperado de https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/74/1910Ford-T.jpg