Romanticismo, Realismo, Impresionismo y Postimpresionismo

En esta entrada hablaré de tres movimientos que revolucionaron la perspectiva del arte, no solo en su concepción, sino en sus inspiraciones, representaciones y técnicas, fueron movimientos que tuvieron lugar en Europa a finales del siglo XVIII, el siglo XIX y principios del XX, estos movimientos fueron el Romanticismo, el Realismo, el Impresionismo y el Postimpresionismo, y si en otras épocas se hablaba de Italia como la cuna de los movimientos artísticos, estas nuevas corrientes tuvieron muchas veces en Francia sus comienzos y sus mayores expositores, y de ahí se extendieron a lo largo y ancho de Europa.

El Romanticismo fue un movimiento artístico global que surge a finales del siglo XVIII en un contexto postrevolucionario, es por esto que el arte toma un aspecto más liberal dejando atrás el racionalismo de la Ilustración y el Neoclasicismo, en búsqueda de un arte con mayor preferencia al sentimentalismo. Al surgir como un arte en respuesta a la monarquía absoluta se convierte en el arte de la gente común, ya no  está enfocado solo a la burguesía, iglesia y eruditos, sino que el arte abarca un espectro total de la población, el arte, al igual que los derechos humanos, es para todos. Otro aspecto social clave durante la época fue la industrialización, la cual exigía un arte mucho más práctico, a lo cual los artistas románticos se oponían rotundamente. Se retoman algunos ideales artísticos del románico y el gótico, más que nada por la libertad económica que representan en contra del neoclásico, y como principales características se encuentran el amor por la naturaleza, el sentimentalismo y el individualismo.

En la arquitectura se retoman ideas medievales, pero con la clave aparición del hierro, fue posible realizar grandes construcciones, a mayor velocidad, surge una arquitectura racionalista y por primera vez se hace una distinción entre lo estético y lo constructivo, separación de arquitecto e ingeniero. La decoración en los edificios es abundante y multicolor mediante el uso de diversos materiales, siempre ligados a la construcción.

1. Charles Garnier
Opera Nacional de París, 1857
Francia

2. Sir Charles Barry
Palacio de Westminster, 1865
Londres, Inglaterra

Es durante esta época donde aparece Antoni Gaudí, que si bien es considerado el mayor representante de otro movimiento arquitectónico, el modernismo catalán, sus inspiraciones surgen en base a los ideales estéticos y conceptuales del romanticismo, con un estilo diferente a cualquiera previo a él, un arquitectura extravagante con inspiraciones tanto barrocas como góticas, con preferencia a las formas onduladas y sinuosas, con mucha ornamentación, principalmente mediante el trencadís, donde se utilizan mosaicos rotos para lograr un sinfín de colores y formas en la decoración. Principalmente se considera a Gaudí como un romántico por el evidente simbolismo en su arquitectura y la clara inspiración de la naturaleza apreciable en todas sus obras.

3. Antoni Gaudí
Sagrada Familia, (en construccion)
Barcelona, España

4. Perspectiva Interior
Sagrada Familia

La escultura busco menos la forma humana idealizada, en su lugar prefirió un nuevo realismo, con gran simbolismo y tendencias naturalistas, generalmente usando el bronce y el hierro, materiales ahora accesibles, gracias a la industrialización. Si bien existieron varios exponentes como Antonio Solá, Jean Baptiste Carpeux, entre otros, hubo uno que destacó particularmente; Auguste Rodin, el máximo exponente del realismo romántico, con un estilo dramático, opuesto al neoclásico, sus obras muestran una gran monumentalidad lírica, siempre experimentando en búsqueda de un mayor simbolismo en su arte, el cual muestra la verdad humana y la constante dualidad entre la vida y la muerte.

5. Auguste Rodin
"El Pensador", 1902
Museo Rodin, París

6. Auguste Rodin
"El Beso", 1889
Museo Rodin, París

La pintura fue quizás el principal arte que representaba las tendencias románticas, generalmente tomando como inspiración temas mitológicos, fantasiosos, además de hechos históricos mostrando las grandes hazañas libertadoras mediante la idealización de un pasado glorioso, evocando el sentimentalismo, siempre mostrando el dramatismo del momento mediante el retrato de las emociones, dolor, miedo, valentía, amor, melancolía y muchos más. Otro aspecto fundamental que es retratado en la pintura romántica es la naturaleza y su majestuosidad, el lugar del hombre frente a ella, ya no como el dominador, sino como un simple espectador de su belleza; entre los principales pintores de la época aparecen, Eugene Delacroix, Theodore Gericault, Francisco de Goya, John Everett Millais, William Turner y Caspar David Friederich.

7. Eugene Delacroix
"La Libertad Guiando al Pueblo", 1830
Museo de Louvre, París

8. Theodore Gericault
"La Balsa de Medusa", 1819
Museo de Louvre, París

9. Caspar David Friederich
"Caminante sobre el Mar de Nubes", 1818
Kunsthalle, Hamburgo

A mediados del siglo XIX, como una continuación y a su vez respuesta al romanticismo, surge el realismo, el cual como su nombre lo indica busca mostrar la realidad humana, la vida en sociedad, mediante la incorporación de experiencias más directas y objetivas, siempre narrando escenas cotidianas de la gente común, del pueblo y sus actividades diarias, hasta cierto punto con una crudeza objetiva, de este movimiento destacan principalmente Gustave Courbet, quién dio el nombre al movimiento, además de Honoré Daumier.

10. Gustave Courbet
"El Encuentro", 1854
Museo Fabre, Montpellier

Pero a finales del siglo existió un grupo de pintores que se oponían a la manera en que se enseñaba en las Escuelas de Bellas Artes, siguiendo aún tanto con las ideas Clásicas como con las del Renacimiento, un cierto ideal de belleza, narrando mitología e historia, el grupo que se opuso a esto fue conocido como los impresionistas, entre los que destacan Claude Monet, Camille Pissarro, Paul Cezanne, Auguste Renoir, Edgar Degas, Mary Cassatt, Berthe Morisot, entre otros, El término impresionista surge tras la exposición de Claude Monet en 1874, donde presenta su obra “Impresión, Amanecer”, la primera pintura impresionista. El impresionismo muestra un nuevo estilo, más libre, atrevido de aspecto abocetado en búsqueda de efectos atmosféricos, de luz y las sensaciones producidas por los paisajes, tanto rurales, como urbanos, además de escenas cotidianas. Los artistas de este movimiento buscaban plasmar un momento específico así como los efectos y emociones que dicho momento generaba en ellos, era un pintura subjetiva tanto para el artista que la creaba como a la libre interpretación de todo aquel que la veía, como Castagnary definió al movimiento en 1874, “No reproducen el paisaje, sino la sensación producida por el paisaje. Si bien es fácil identificar la estética impresionista de trazo veloz y en ocasiones, en palabras de los críticos, “apresurado” e “impreciso”, sería inocente pensar que las grandes obras maestras fueron logradas de esta manera, el impresionismo consigue un aspecto espontaneo, pero solo mediante un cálculo y trabajo meditado y complejo.

11. Claude Monet
"Impresión, Amanecer", 1872
Museo Marmottan Monet, París

Cabe mencionar que el arte impresionista fue duramente criticado durante su época, por salirse del estilo tradicional, muchas veces se negó espacio en las principales exposiciones de arte a este estilo, por lo cual los pintores impresionistas tuvieron que crear una sociedad alternativa, y llevar acabo sus reuniones y exposiciones en cafés de Monmartre en París y en sus estudios, dando paso a una vida artística mucho más bohemia, los impresionistas sentaron las bases para el ideal moderno de belleza y la rebeldía artística.

12. Edgar Degas
"Después del Baño, Mujer Secandose", 1885
National Gallery, Londres

13. Edgar Degas
"Bailarina mirando la planta de su pie", 1890
MET Museum, Nueva York

  

Pero no tardó mucho en aparecer un movimiento en respuesta al Impresionismo, surgió un nuevo grupo de pintores, e incluso algunos de los impresionistas tomaron y pintaron algunos cuadros con los ideales de lo que en 1910 Roger Fry definiría como el Postimpresionismo, tras una exposición de pinturas en Londres de Paul Cezanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh. Este estilo surge como una extensión del impresionismo, pero a su vez deja atrás ciertas limitaciones del mismo, en el postimpresionismo se continuó hasta cierto punto con el estilo anterior, colores vivos, marcadas pinceladas narrando temas de la vida real, pero los pintores postimpresionistas intentaron dar más emoción y expresividad a sus obras, aumentando la subjetividad en la visión del mundo y las sensaciones causadas por el mismo.

14. Paul Cézanne
"Las Grandes Bañistas", 1905
Museo de Arte de Filadelfia

15. Vincent van Gogh
"Noche Estrellada" 1889
MoMa, Nueva York

Ejemplos de Diseño Gráfico y Diseño Industrial

16. Portada de "La Naturaleza del
Gótico" de John Ruskin, siglo XIX

17. Henri de Toulouse-Latrec
Cartel para Molin Rouge, 1891

18. August Thonet
"Silla Thonet", 1904

19. René Macintosh
"Silla Hill House", 1902

20. Henry Ford
"Ford T", 1910

Referencias

Gombrich, E. (2011) “Historia del Arte”. New York: Phaidon.
Smith, P. (2006) "Impresionismo: Bajo la Superficie". Madrid: Akal.

Imágenes

1. Charles Garnier. Opera Nacional de París, Francia. Recuperado de https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/dc/Paris_Opera_full_frontal_architecture,_May_2009.jpg

2. Sir Charles Barry. Palacio de Westminster. Londres. Recuperado de https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/97/Palace_of_Westminster,_London_-_Feb_2007.jpg/980px-Palace_of_Westminster,_London_-_Feb_2007.jpg

3. Antoni Gaudí, Sagrada Familia, Barcelona. Recuperado de 

4. Antoni Gaudí, Sagrada Familia, Barcelona. Recuperado de

5. Auguste Rodin. El Pensador, Museo Rodin. Recuperado de

6. Auguste Rodin. El Beso, Museo Rodin, Recuperado de http://www.musee-rodin.fr/sites/musee/files/styles/zoom/public/resourceSpace/784_4c572139de5ec5b.jpg?itok=IdQG2-_t

7. Eugene Delacroix. La Libertad Guiando al Pueblo. Museo de Louvre. Recuperado de 

8. Theodore Gericault. La Balsa de Medusa. Museo de Louvre. Recuperado de http://www.arteselecto.es/app/uploads/2014/05/JEAN_LOUIS_TH%C3%89ODORE_G%C3%89RICAULT_-_La_Balsa_de_la_Medusa_Museo_del_Louvre_1818-19.jpg

9. Caspar David Friederich. Caminante sobre Mar de Nubes. Kunsthalle, Hamburgo. Recuperado de

10. Gustave Courbet. El Encuentro. Museo de Fabree. Recuperado de https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/93/Gustave_Courbet_-_Bonjour_Monsieur_Courbet_-_Mus%C3%A9e_Fabre.jpg

11. Claude Monet. Impresión Amanecer. Museo Marmottan Monet, París. Recuperado de http://art-monet.com/image/1870/1873%20Impression,%20sunrise.jpg

12. Edgar Degas. Después del Baño, Mujer Secandose". National Gallery, Londres. Recuperado de http://www.oceansbridge.com/paintings/artists/d/edgar_degas/big/After_the_Bath,_Woman_Drying_Herself_1890-1895.jpeg

13. Edgar Degas. Bailarina mirando la planta de su Pie". MET Museum, Nueva York. Recuperado de http://www.metmuseum.org/toah/hd/dgsb/hd_dgsb.htm

14. Paul Cézanne. Las Grandes Bañistas. Museo de Arte de Filadelfia. Recuperado de http://www.artelista.com/ypimages/Huge/02/MWM01474.jpg

15. Vincent van Gogh. Noche Estrellada. MoMa, Nueva York. Recuperado de https://marisolroman.files.wordpress.com/2014/09/1280px-van_gogh_-_starry_night_-_google_art_project.jpg

16. S/A. Portada "La Naturaleza del Gótico", John Ruskin. Recuperado de https://classconnection.s3.amazonaws.com/143/flashcards/6287143/png/midterm20-148D79162F13738FD9F.png

17. Henri de Toulouse-Latrec. Cartel para Molin Rouge. Recuperado de https://es.wikipedia.org/wiki/Dise%C3%B1o_gr%C3%A1fico#/media/File:Henri_de_Toulouse-Lautrec_049.jpg

18. August Thonet. Silla Thonet. Recuperado de https://s-media-cache-ak0.pinimg.com/564x/52/1f/c5/521fc59074046554766d133bc02b60db.jpg

19. Rene Macintosh. Silla Hill House. Recuperado de http://www.naharro.com/components/com_virtuemart/shop_image/product/Silla_Hill_House_50bf27d26498c.jpg

20. Henry Ford. Modelo T 1910. Recuperado de https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/74/1910Ford-T.jpg

Esta entrada será sobre varios movimientos que marcaron el continente Europeo, entre los siglos XV y XVIII, dejando atrás el oscurantismo de la Edad Media, para dar paso a expresiones artísticas de una belleza increíble. Estos movimientos fueron el Renacimiento, el Manierismo, el Barroco y el Rococó, hablaremos sobres sus principales características, y las razones detrás de su surgimiento.

Comenzaremos por el primero y quizás el más importante de los movimientos artísticos en la historia, ya que muchos de los siguientes son una reinterpretación del mismo o nacen como una contrapropuesta a él. Hablamos por su puesto del Renacimiento, como su nombre lo indica durante esta época hubo un renacer de las artes, se volteó la mirada al pasado y se retomaron las ideas de los antiguos griegos y romanos, pero el Renacimiento no fue exclusivo del arte, abarcó todos los niveles del conocimiento y si bien surgió por la búsqueda de la verdad en el siglo XV, también es cierto que hubo otros acontecimientos históricos que permitieron y ayudaron al gran desarrollo del Renacimiento, entre los que destacan: la caída de Constantinopla, la invención de la imprenta de Johannes Gutenberg, el descubrimiento de América, la teoría heliocéntrica de Nicolás Copérnico y por supuesto razones económicas como el creciente comercio con Asia y la aparición de los mecenas que serían los principales patrocinadores del arte.

1, Hieronymus Bosch
El Jardín de las Delicias. 1504
Museo del Prado, Madrid.

 No se puede entender el Renacimiento sin hablar de Italia, país donde surge el movimiento y donde aparecieron los grandes maestros, por su constante observación de la grandeza de Roma. Se rompe la regla de la no imitación de la naturaleza y esta es estudiada a profundidad y representada con maestría, nuevamente aparece una búsqueda por la belleza, una con valor simbólico y con cierto misterio la cual es más grande según las sensaciones de la obra sobre la armonía y la simetría, el arte crece en su belleza y magia gracias a representaciones de un entorno global macrocosmos y microcosmos se juntan en las obras artísticas, y como dice Umberto Eco en su libro Historia de la Belleza “El artista es tanto creador de novedades e imitador de la naturaleza”.

Hubieron dos aportaciones claves al arte la primera la invención de la pintura al óleo, por el pintor de Flandes Jan Van Eyck y la otra las bases matemáticas de la perspectiva, atribuidas al arquitecto florentino Filippo Brunelleschi, iniciador y líder del movimiento renacentista en Florencia. Brunelleschi sentó las bases para la arquitectura renacentista, y de los movimientos posteriores, su estilo se extendió por más de cinco siglos, la idea fue dejar atrás las tradiciones góticas, con el objetivo de retomar las formas clásicas para crear nuevas modalidades de belleza y hacerlas funcionales para la época, todo esto mediante un detallado estudio de las ruinas griegas y romanas. En la segunda mitad del siglo XV la arquitectura continuó con las ideas de Brunelleschi, aunque esta vez las reinterpretaciones del estilo clásico no eran tan claras, pero aun así estaban presentes el principal arquitecto durante este periodo fue Leon Battista Alberti, quien hizo una traducción del gótico a formas más suaves y de semejanza a los órdenes clásicos, sin hacer construcciones idénticas a templos griegos o romanos.

2. Filippo Bruneleschi
Basílica de Santa María di Fiore, Catedral de Florencia 1436

3. Leon Battista Alberti
Palacio Rucellai. 1460
Florencia, Italia

Si hablamos de Brunelleschi como el hombre que sentó las bases para la arquitectura, en escultura debemos hablar de Donatello, también de Florencia, quien dio a este arte un giro radical, estudiando la manera en que los antiguos representaron el cuerpo humano, dejando atrás el estilo gótico, alejado del suelo y de la realidad, para lograr una escultura más profunda en sus expresiones y más honesta mostrando vida y movimiento a pesar de su precisión y solidez.

Donatello fue un gran maestro de la escultura, con representaciones magníficas y pasarían décadas hasta que alguien pudiera alcanzar y superar su arte. Este artista apareció a principios del siglo XVI y realizó esculturas magníficas, el gran Miguel Ángel Buonaroti quien estudió a fondo a los maestros de comienzos del Renacimiento como Donatello y también a los griegos y romanos, pero estudió aún más a fondo la anatomía humana a tal punto que conocía cada músculo y tendón el cuerpo humano no tenía ningún secreto para él, lo cual es claro en sus representaciones con impresionante detalle y atención a lo largo de todas sus piezas.

4. Donatello
David. 1440
Palacio Bargello, Florencia.

5. Miguel Ángel Buonaroti
David. 1504
Galeria de la Academia, Florencia.

   

La pintura alcanzó un gran nivel durante el Renacimiento, y muchas de las pinturas más famosas de la historia aparecieron en esta época. Pero antes de hablar de la escuela italiana y sus grandes maestros, es importante hablar de la escuela flamenca, particularmente de Jan Van Eyck, el inventor de la pintura al óleo que dio muchas libertades al artista, en especial la calidad en los detalles, la principal característica de la escuela flamenca, el detallismo, particularmente Van Eyck y su paciencia y cuidado infinito alcanzo un realismo impresionante en cada objeto de sus pinturas.

6. Jan Van Eyck
El Matrimonio Arnolfini. 1434
National Gallery, Londres.

Volviendo a Italia, donde utilizaron también las aportaciones de Van Eyck con pintura al óleo pero con un gran dominio de la perspectiva como principal característica, y llevando la naturaleza en los cuadros a una científica exactitud. Aparecen grandes maestros como Andrea Mantegna con sus escenas precisas, con perspectiva que hace magia mientras representa todas las características internas y externas y las sensaciones del momento. Sandro Boticelli con su magia, misticismo, tomándose libertades para lograr siluetas con gracia, menos sólidas y con movimiento melódico logrando composiciones perfectamente armónicas.

7. Andrea Mantegna
Llanto sobre Cristo Muerto. 1474
Pinacoteca de Brera, Milán.

8. Sandro Boticelli
El Nacimiento de Venus. 1485
Galeria Ufizzi, Florencia.

Al igual que Miguel Ángel, a principios del siglo XVI hace su aparición otro genio, que destacó en diversas disciplinas, no solo en el arte, Leonardo da Vinci, pero que destacaremos por sus magistrales obras en pintura, las cuales logro gracias a un perfecto entendimiento de la anatomía, la naturaleza, y una perfecta comprensión de la óptica y el color, gracias a su técnica del sfumato logró un efecto misterioso en su pintura.

9. Leonardo da Vinci
Mona Lisa. 1502
Museo de Louvre, París

En la segunda mitad del siglo XVI, los artistas y la gente en general pensaban que el arte ya había alcanzado su punto máximo durante el Renacimiento, y lo único que ellos podían hacer era admirarlo y en todo caso tratar de imitarlo, dando paso al Manierismo, en el cual los artistas solo imitaban las formas y la manera en que el arte fue realizado, sin entender en el espíritu detrás del arte. Esto provocó que buscaran representaciones con elementos inauditos e inesperados, logrando un arte más críptico y enigmático, generalmente destinado a la gente de dinero y a los eruditos de la época.

El arquitecto más reconocido de este movimiento fue Andrea Palladio, que continuó utilizando las formas clásicas pero en un sentido en el que prefería lograr novedad de efectos más que una relación con la función arquitectónica.

10. Andrea Palladio
Villa Rotonda. 1566
Vicenza, Italia

En pintura “El Greco” fue quien mayormente mostró estas ideas de atrevido desdén hacia las formas y colores naturales, con el objetivo de representar temas divinos de una manera distinta, buscando la agitación, el revuelo y lo extraordinario.

11. El Greco
La Apertura del Quinto Sello del Infierno. 1614
MET Museum, Nueva York

Como respuesta a estos movimientos de mayor libertad la Iglesia católica comenzó a patrocinar a los artistas que dieron paso al movimiento barroco, nombre que surge de la ridiculización, que otros artistas de la época dieron al barroco, que significa absurdo y grotesco. El barroco fue un arte recargado y engañoso, pero que buscaba recuperar el sentimiento renacentista y mucho más natural que se había perdido durante el manierismo. Con esto el arte se volvió más refinado y ornamentado buscando ilusiones ópticas y efectos visuales, mediante fuertes contrastes entre luz y sombra. El arte barroco tuvo como primer y más importante cliente a la iglesia.

En arquitectura se siguió el modelo de Brunelleschi, las formas y órdenes clásicos siguen apareciendo en las construcciones, pero ahora son utilizadas de manera diferente a lo que se hacía en la antigüedad, como el uso de columnas adosadas a muros, puramente decorativas, o esas mismas columnas repetidas y puestas una con otra, conocidas como columnas pareadas. En este periodo que las iglesias toman como convención tener una planta rectangular en forma de cruz donde la nave es coronada con una cúpula y rematada visualmente por el altar.

12. Giacomo della Porta
Iglesia del Gesú. 1577
Roma, Italia

En pintura podemos ver que el estilo barroco tuvo más posibilidades, gracias por un mayor énfasis en la luz y el color, dejando atrás la armonización y la preferencia por composiciones más complejas con mayor impacto visual. Hubieron grandes pintores en este periodo, pero dos sumamente destacados fueron Diego Velázquez, en España, con sus pinturas de gran realismo y gran comprensión de la luz, ya sea sus puntos focales o los efectos que generarían en las figuras de sus composiciones. El otro Michelangelo da Caravaggio y su falta de interés por una belleza ideal, prefiriendo representar la verdad, hasta el punto de horrorizar al espectador mediante un estilo que llegó a ser considerado demasiado naturalista.

13. Diego Velázquez
Las Meninas. 1656.
Museo del Prado, Madrid.

14. Michelangelo da Caravaggio
La Incredulidad de Santo Tomás. 1603
Jardines de Sansouci

La escultura barroca sigue con estas ideas, teniendo como características principales la naturalidad de sus formas, la integración con la arquitectura y un esquema compositivo con mucha libertad, dejando atrás el aspecto estático y geométrico, por un estilo más dinámico y lleno de movimiento, donde las formas parecen girar en sentido helicoidal, la figura humana toma mucha más vida y complejidad mediante un mayor uso del volumen. Destacaron escultores como Francesco Borromini y Gian Lorenzo Bernini.

15. Gian Lorenzo Bernini
El Rapto de Proserpina. 1622
Galeria Borghese, Roma

El Rococó fue un movimiento nacido en Francia, como respuesta al Barroco, principalmente se desarrolló en este país, en Alemania y en Austria. En el cual la decoración está basa en elementos naturales, un estilo con mayor juego en las formas, con temas ingeniosos y provocativos. En arquitectura la decoración es elaborada e inspirada en formas naturales, debido a su gran costo fue generalmente el estilo de la nobleza. En pintura se prefirió la suavidad tanto en las composiciones como en los colores, principalmente pasteles, retratando con delicadeza y suavidad eventos de la vida diaria con juego en las figuras, la luz y el color.

16. Jean-Honore Fragonard
El Columpio. 1767
Colección Wallace, Londres

Referencias.

Eco. U. (2010). Historia de la Belleza. México: Debolsillo

Visual Encyclopedia of Art. (2009). Renacimiento. China: Escala

Gombrich, E. (2011). Historia del Arte. Nueva York: Phaidon

1. Hieronymus Bosch. "El Jardin de las Delicias". Museo del Prado, Madrid. Recuperado de http://www.voolive.net/wp-content/uploads/2008/07/eljardindelasdelicias.jpg

2. Filippo Brunelleschi. Catedral de Florencia. Italia. Recuperado de http://www.elestudiodelpintor.com/wp-content/uploads/2015/08/1.-C%C3%BApula-Sta-Mar%C3%ADa-dei-Fiore.jpg

3. Leon Battista Alberti. Palacio Rucellai. Florencia, Italia. Recuperado de https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjC_rmQhaLDQxWECpJLkGvyAh_Mv2vb57L0kKtk_vsqGluOSMrY2TKqH-ve8WDFGfvBw2mtonwk8WetHUczD4zK4q0rQPV2XZNoHIG2IxJJkBXZ9XR93gSOvBOxhZD1tNQkdQG0r9a-2Lo/s1600/32-1460-palacio-rucellai.jpg

4. Donatello. "David". Palacio Bargello, Florencia. Recuperado de http://www.wga.hu/art/d/donatell/1_early/david/2david1.jpg

5. Miguel Angel Buonaroti. "David". Galería de la Academia, Florencia. Recuperado de http://cantera.diariosur.es/samaraht95/wp-content/uploads/sites/40/2014/05/DAVID5.jpg

6. Jan Van Eyck. "El Matrimonio Arnolfini". National Gallery, Londres. Recuperado de https://artesinfin.files.wordpress.com/2013/12/matrimonio-arnolfini-jan-van-eyck.jpg

7. Andrea Mantegna. "Llanto sobre Cristo Muerto". Pinacoteca Brera, Milan. Recuperado de http://www.tuitearte.es/wp-content/uploads/2013/09/Cristo-muerto-Andrea-Mantegna.jpg

8. Sandro Boticelli. "El Nacimiento de Venus". Galeria Ufizzi, Florencia. Recuperado de https://i.ytimg.com/vi/1j0x-bs8fCE/maxresdefault.jpg

9. Leonardo da Vinci. "Monalisa". Museo de Louvre, París. Recuperado de https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Mona_Lisa,_by_Leonardo_da_Vinci,_from_C2RMF_retouched.jpg/687px-Mona_Lisa,_by_Leonardo_da_Vinci,_from_C2RMF_retouched.jpg

10. Andre Palladio. "Villa Rotonda". Vicenza, Italia. Recuperado de https://jaimeensociales.files.wordpress.com/2013/04/17-villa-rotonda-palladio.jpg

11. El Greco. "La Apertura del Quinto Sello del Infierno". MET Museum. Nueva York. Recuperado de https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0QMLjvroGycNKpt-5VggUACCJ0wUxoN57E5V3Xz7Bf6yqDLcjCX7KM99OiF9H7m6zKd2wl1bFvGdWPL56xiEsg4HFWT4u-Gmsu3b8oO9fnWEL9tDpSZHPLJBusmdFKKDRnkofdfBI0Dg/s1600/APOCALIPSIS+DE+SAN+JUAN+2.jpg

12. Giacomo della Porta. "Iglesia del Gesú". Roma. Recuperado de https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/8b/Il_Gesu.jpg

13. Diego Velázquez. "Las Meninas". Museo del Prado, Madrid. Recuperado de https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/31/Las_Meninas,_by_Diego_Vel%C3%A1zquez,_from_Prado_in_Google_Earth.jpg/1400px-Las_Meninas,_by_Diego_Vel%C3%A1zquez,_from_Prado_in_Google_Earth.jpg

14. Michelangelo da Caravaggio. "La Incredulidad de Santo Tomás". Jardines de Sansouci. Recuperado de https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3ybYYipHEZYL1sb_3hTwym_5tHsyE5cGl_Ny6OWTiG78GUeQ9pT9KtS6b9KAum888o15Z2i48x-39SgWQqTjizO4BxfBmRfUo9R2wwxx4jyyr4xiLnsOxW_Wj8fs9A8jof2x_mGXzCRiA/s1600/STTHOMAS.jpg

15. Gian Lorenzo Bernini. "El Rapto de Proserpina". Galeria Borghese, Roma. Recuperado de http://k43.kn3.net/taringa/6/4/0/7/6/3/7/drlightman/068.jpg?4406

16. Jean-Honore Fragonard. "El Columpio". Colección Wallace, Londres. Recuperado de http://www.wikiart.org/en/jean-honore-fragonard/the-swing-1767?utm_source=returned&utm_medium=referral&utm_campaign=referral